LA DEFINICIÓN DE ARTE SE ABRIÓ TANTO, QUE SE ROMPIÓ Por René Rubio

Desde que empecé la cerrera en artes visuales, se han dado los debates en clase acerca de si hay una definición de Arte, o si debe ser una definición abierta, que cualquier cosa que se presente como Arte lo es, que depende de la crítica, etc. Pero recientemente en clase de Apreciación artística salió a discusión el término "obra maestra", y si había un rasgo que pudiera diferenciar una obra "regular" de una "maestra". Yo mencioné que para mí, un rasgo escencial (mas no el único) de una obra maestra es el dominio de la técnica en la que esté realizada la misma; a mi parecer, ya hasta un chicle masticado o una cagada de paloma puede ser presentado actualmente como una obra de arte, si se pone como justificante un concepto, debido a que si se considera lo contrario, se estaría "cayendo en una definición cerrada (e implícitamente errónea) de lo que es arte", ahi pues ni modo, así funciona actualmente el mundo del arte, pero el considerar la caja de zapatos de Gabriel Orozco como una obra maestra, a la par de la Gioconda de Leonardo, es algo que desde lo más interno del alma de mi "niño artista", siento como una total aberración. Yo considero el arte como un rasgo medular del ser humano, algo que lo diferencia de los animales, algo que refleja tanto su capacidad de raciocinio, como su habilidad manual, y el deseo constante de mejorar ambas, y para un ejemplo (triste y a la vez gracioso) está el caso de el elefante y el gorila que "pintaron" cuadros "abstractos", y fueron presentados como obras de pintores "expresionistas abstractos" humanos, y el mercado del arte se la creyó, y tales obras fueron vendidas en varios miles de dólares; y sin embargo, disciplinas como la animación, la novela gráfica, la ilustración y el diseño en 3D por computadora, son consideradas por los críticos como (cuando mucho) pseudo-arte. Sin esfuerzo, trabajo y dedicación, considero que la obra maestra no puede alcanzarse, la definición de arte se abrió tanto que se rompió, y sus pedazos cayeron sobre la definición de obra maestra y la ensuciaron.

Y continuando con la CREATIVIDAD

Por Ma. José López G.


¿Te sientes bloqueado? La empresa española MICELULACREATIVA te da algunos consejos :)

Recrea tu vida: la verdadera creatividad está en ti

Otro video de MICELULACREATIVA: La creatividad, ¿para qué? ¿por qué? y ...¿cómo?
interesante :)

Be creative, my friend... ¿te gusta crear?

Sobre MICELULACREATIVA

Información tomada directamente de su página web:

MICELULACREATIVA es un proyecto-empresa para divulgar la creatividad y enseñar a usarla tanto en la vida personal como profesional.

Damos las herramientas para ampliar las habilidades personales y dotar a las organizaciones de la metodología y las técnicas para acercarse de manera más fácil a los procesos de innovación.

Como lo mencionan, esta empresa da cursos, conferencias, consejos etc, de forma personalizada o para empresas con el fin de divulgar la Creatividad. Ésto me parece un buen ejemplo de cómo utilizar la creatividad misma de forma creativa (valga la redundancia)
Lástima que sólo sea en España (creo).
Por lo pronto, disfruten los videos y visiten sus paginas web!!

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Surrealismo a partir de Freud Nataly Leal

Encontré un ensayo titulado “Surrealismo y Psicoanálisis” que quizás les interese, esto es lo que se resume de él:
A partir de las teorías de Freud en el mundo se va generando una nueva forma de pensar, era el psicoanálisis lo que atrajo a los surrealistas, era para ellos como la otra cara del consciente y de la lógica. De modo que en el arte se puede analizar el inconsciente.
Un ejemplo del surrealismo en el caso del cine es la película “Un perro andaluz” escrita a partir de los relatos de Dalí y Buñuel.
Se dice que Dalí tuvo una charla con Freud en la que este último le dijo que en todo proceso creador el artista pone en juego mecanismos inconscientes, aun sin que el mismo se dé cuenta ni se lo proponga, esto refuerza la idea de la sublimación del inconsciente que antes he mencionado.
Para Freud el sueño es una manifestación del inconsciente, donde hay un deseo aprisionado y este se libera. Las limitaciones que impone la lógica desaparecen, todo puede parecer incoherente. El surrealismo era nada más y nada menos que la liberación de los pensamientos encasillados del inconsciente liberado el momento del sueño. En ellos no existen normas que hagan posibles los sucesos, no hay censuras, no hay reglas ni prejuicios.
Para el que desee leer el ensayo completo les paso la dirección: http://abraxasmagazine.wordpress.com/2007/03/21/surrealismo

¿QUÉ ES EL ARTE? por Taimy Pérez

¿QUÉ ES EL ARTE?

El arte es una necesidad cotidiana que el hombre consume a diario, al leer un libro, al escuchar música, al ir al cine o al teatro. Es un lenguaje amplio en el que se engloban leguajes denominados <> como la arquitectura, la escultura y la pintura; y <> como las artes decorativas, pero también la música, el teatro, la danza, el cine, la fotografía y los nuevos leguajes como el computer art o el video arte. La real academia española de la lengua define el término arte como: “el acto o facultad mediante el cuál, valiéndose de la materia, de la imagen o del sonido, imita o expresa el hombre lo material o lo inmaterial, y crea copiando o fantaseando”, y sin embargo, la definición del concepto ofrece según los autores múltiples respuestas y matices extraordinariamente complejos y difíciles de acotar.
El arte, cuya etimología procede del latín ars (habilidad o técnica) nace, por lo general, con el fruto de la necesidad de expresar sentimientos o sensaciones, que ciertas personas canalizan por estas vías de expresión, pero al mismo tiempo es una respuesta al deseo de crear belleza de los humanos, a la necesidad de darle una apariencia más amable a cuanto le rodea.
La obra de arte es el resultado de procesos subjetivos e íntimos del ser humano, nacidos de la necesidad de transmitir sus sentimientos, emociones, o sensaciones a través de vías de expresión artísticas. El hombre necesita dejar su huella compartir o transmitir, y para ello escoge el vehículo más idóneo y acorde con su personalidad: la pintura, la música o la escultura, artes que tienen en común una vía de expresión más o menos subjetiva y por lo tanto una carga emocional importante. Esta actividad creadora utiliza elementos materiales para expresar la realidad, las ideas y los sentimientos, y se concretiza en una forma sensible, es decir de un lenguaje que pueda ser interpretado por los demás.
Por esta razón, la capacidad para comprender y valorar una obra de arte se adquiere, como el lenguaje, por transmisión cultural, y el análisis que de ella se haga debe tener en cuenta el contexto histórico, social y cultural en que se ha producido.

No obstante el arte tiene también una dimensión más objetiva que lleva a plantearse hasta que punto la creación artística es fruto de un proceso creativo absolutamente libre y personal del artista. La libertad que aparentemente rodea el proceso de creación, como en cualquier otra realización humana, esta condicionada por una serie de factores personales, como el temperamento y la formación del artista, pero también por los elementos sociales.
En este sentido, al margen de la voluntad creadora del artista, la obra de arte es siempre producto de unas ideas, de unas necesidades, de una técnica, de un estilo, o una moda imperante en el período histórico que se desarrolla, factores que deben tenerse en cuenta a la hora de su valoración estética y de su interpretación.
Por lo general a lo largo de la historia la obra artística ha nacido como consecuencia de un encargo concreto hecho al artista por el comitente, que encarga y paga la obra, e impone unas indicaciones concretas.
En realidad la idea de la obra de arte como creación personal, nacida de la voluntad exclusiva del artista es aplicable prácticamente a partir de mediados de los siglos XIX, cuando los artistas empiezan a abordar su trabajo como una actividad personal nacida de su necesidad e impulso de crear, con independencia de que un cliente te interese a posteriori por alguna de sus obras.

Por lo que podemos concluir: que el arte es la creación humana, por contraposición a la naturaleza, y en especial a la creación de obras bellas que tienen su expresión en una de las llamadas artes. El arte busca expresar simbólicamente mediante diferentes materiales un aspecto de la realidad entendida estéticamente. Además el arte es una actividad práctico creadora, que genera objetos con significatividad; que se ve expresada mediante su forma y contenido ; que represente lo real o lo irreal.

Hay tres leyes que se deben de cumplir bien todo arte:

1. Todo objeto arte es único e irrepetible.
2. Todo objeto arte o de connotación estética cumple la función de la contemplación.
3. Todo objeto arte debe de contener una estructura básico de contenido y forma; que permita la comprensión del mismo y de las diversas manifestaciones.

La Creatividad

La Creatividad

Por: Alejandra Cano Sosa

La creatividad es exclusiva del arte? Solo los artistas son capaces de tener creatividad?

La respuesta es NO.

Según la real academia española la creatividad se define como la facultad de crear o capacidad de creación, apegándonos a esta definición cualquiera es capas de crear algo. Con algo me refiero a cualquier clase de cosa, desde una pieza artística sencilla hasta un complejo transbordador espacial.

La creatividad compete a las artes sin duda, pero también es parte de la ciencia. La creación de nuevos procesos químicos, físicos, nuevas maneras de intervenciones quirúrgicas, nuevos tratamientos de enfermedades, nuevas medicinas, mejores maquinarias, las nuevas hipótesis, procesos matemáticos, entre muchas otras cosas.

Desgraciadamente la gente suele menospreciar la creatividad o la liga con el arte exclusivamente (música, pintura, escultura, cine, danza etc.), sin darse cuenta que la creatividad es parte indispensable en el hombre; da un sentido de orgullo y auto-superación al admirar la cosa creada, así como ofrecer algo nuevo, ingenioso, creativo y original a la sociedad.

En muchas comunidades estamos acostumbrados a mermar la creatividad desde muy niños. Más de uno recordara a sus padres o alguna maestra regañándolos por dibujar un árbol morado, o un conejo verde, o simplemente por que su dibujo no es “bonito”. Las plantillas de dibujo con animales que muchas veces las maestras de preescolar les dan a los niños para colorear. Quitarle a un niño la plastilina por que es muy sucia, o decirle que lo que hace es feo: Todas estas cosas pueden y van a limitar su creatividad poco a poco, lastimando el sentido de inventiva y limitándolos al pensamiento convencional.

Es por esto que no es solo recomendable, si no imprescindible que los padres y tutores cercanos a los niños apoyen y propicien un ambiente seguro para que puedan desarrollar su creatividad y así en el futuro desarrollarse como personas más propositivas y felices.

G-U-E-R-N-I-C-A

Por Ma. José López G.

Animación presentada por la Escuela de Cine de Vancouver (Vancouver Film School) inspirada en la famosa obra de Pablo Picasso : Guernica

En ésta interesante animación, además de recordar la ya mencionada obra de Picasso, podemos apreciar también escenarios inspirados en el trabajo de diversos artistas conocidos através de la historia del arte, mientras observamos cómo el personaje principal se encuentra en una ardua búsqueda de sí mismo.

Recuperar la Integridad - La importancia de las hojas de la mañana

Por Ma. José López G.

El capitulo 4 del libro El camino del artista se llama “Recuperar la integridad” y habla sobre la importancia de escribir las hojas de la mañana para una buena recuperación y sanación de la creatividad.

Recordando del capítulo 1, el ejercicio de las hojas de la mañana se trata de despertar media hora antes de lo usual, levantarse y escribir 3 páginas a mano, con lo que brote de la conciencia.

Admitir honestamente los cambios que estas hojas matutinas producen es una de las tareas de la semana 4 en el libro, en la cual el joven artista probablemente se enfrentará con cambios en la manera que se define a sí mismo y tendrá que prepararse para ataques de risa y llanto.

En la medida que el joven artista gana o recupera su identidad creativa, perderá la falsa personalidad que venia sosteniendo y arrastrando.

La razón por la que las hojas de la mañana son importantes es por que al hacerlo comenzamos a separar nuestros sentimientos reales que a menudo son secretos, de los sentimientos oficiales, que presentamos a la consideración pública. Las páginas de la mañana incitan a la sinceridad dentro de la persona misma. “Sé fiel a tu propio ser”

Al ser fiel con uno mismo es más fácil identificar y plantear problemas, pero además, una vez planteados estos problemas, podemos llegar a soluciones. Las páginas de la mañana nos permiten realinear nuestros valores. Si estamos a la izquierda o ala derecha de nuestra verdad personal, las páginas nos indicarán la necesidad de corregir el rumbo.

Nos haremos concientes de la desviación y la corregiremos.

A pesar que este ejercicio es bueno para la sanación de nuestra creatividad, así como la de nuestro artista interior, en muchas ocasiones llega la resistencia.

Si nos enfrentamos a un cambio inminente, cambio que nosotros hemos atraído con nuestra propia mano, nos rebelamos, nos hacemos bolita y cerramos los ojos.

Como reacción a ésta surge algo que algunos llaman kriya, que pueden ser interpretados como los gritos que profiere el alma al ser arrastrada por los cambios. A menudo los kriyas, son psicomáticos y siempre tienen un significado: constituyen el insulto final que nuestra psique agrega a nuestras heridas.

Algunos ejemplos de kriyas podrían ser: caso de gripe que sobreviene después de haber roto con tu pareja, un ataque de asma que aparece de repente después de haber estado cuidando a tu hermano alcohólico, etc.

Con frecuencia la gente cree que la vida creativa se basa en la fantasía, cuando la verdad más difícil se fundamenta en la realidad, en lo particular, en lo que está enfocado bien observado o específicamente imaginado.

En conclusión, el arte depende del encuentro: encontramos nuestra verdad y nos encontramos a nosotros mismos; nos encontramos a nosotros mismos y encontramos nuestra propia expresión. Nos volvemos originales porque nos volvemos un poco más específicos: un origen a partir del cual fluye el trabajo.

Bibliografía

Cap. 4 “El camino del artista”. Julia Cameron, Argentina

Destino

De Miriam Pérez

En 1946 Walt Disney encargó a Salvador Dalí la realización de un cortometraje animado de seis minutos de duración titulado Destino, basado en la canción homónima de Armando Domínguez.

El proyecto del que sólo llegaron a rodarse 20 segundos de prueba no cuajó, hasta que Roy Disney y el productor Baker Bloodworth decidieron en el 2003 sacarlo adelante, partiendo de los bocetos e instrucciones que había dejado Dalí.

Fuente: www.blogdecine.com/cortometrajes/destino-de-salvador-dali-para-disney

Por Miriam Pérez

Este es un performance muy interesante, el ejecutante es un francés llamado Jerom Murat, que fuera estudiante en la escuela del gran Marcel Marceu. Éste performance presenta una rutina em la cual se confrontan dos partes de un mismo ser, es posible comprender sus sentimientos y consciencias, las cuales podrian dar pie a la pregunta ¿quién gobierna a quien?

Veanlo, disfrutenlo e interpretenlo, seguramente les aportará alguna buena experiencia.

Obra Maestra

Por Miriam Pérez

En el medio artístico encontraremos múltiples creaciones, de diversos materiales, formas, texturas y colores, así mismo, las manifestaciones artísticas pueden ser objetos creados, objetos modificados, ambientes, ideas o interpretaciones corporales. Todos estos factores y otros externos al objeto artístico en cuestión, hacen difícil su clasificación como obra maestra.

¿Cómo reconocer una obra maestra? Es probable que nuestra primera inclinación sea atribuirle una belleza particular, pero esto es parte del juicio personal y, por tanto, subjetivo. Para tener un concepto de “obra maestra” es necesario tomar en cuanta diversos factores, culturales, temporales, sociales, etc. que contribuyen a ampliar nuestra idea del arte y a modificar nuestra concepción de la obra maestra.

Por ejemplo, muchas de las obras que hoy en día conocemos como obras maestras, fueron creadas como una especie de examen de titulación. En la Edad Media, la organización de las sociedades de oficios tenía previsto que cada miembro elaborara una obra maestra. Esto permitía al aprendiz convertirse en maestro y tener derecho a mantener un taller, vender sus productos y formar a otros aprendices.

Al hablar de obra de arte podemos tener en mente alguna obra de la antigüedad, pero no solo se ha denominado como obra de arte a estas obras, por ejemplo, La fuente de Duchamp; esta obra no solo no es algo figurativo, sino que podría decirse que ni siquiera fue elaborada, pero lo que la hace obra maestra no es el objeto por sí mismo, sino el contenido y carga conceptual que tiene y representa.

Podríamos decir que lo que hace de una obra de arte una obra maestra son múltiples aspectos a considerar. Algunos piensan que tienen mayor importancia la ejecución, otros la técnica, otros más el contenido conceptual, lo cierto es que el único factor que comparten la mayoría, si no es que todas las obras maestras, es que han trascendido históricamente o han provocado alguna nueva percepción en el arte.

La única conclusión a la que se puede llegar a éstas alturas es que el término obra de arte siempre será discutido y las obras que sean calificadas con él, también. Al final del día quien decidirá qué admitir como obra de arte y qué no, somos nosotros como espectadores en nuestro juicio personal y para nosotros mismos.

Recuperando la identidad

By Pris
5 de febrero de 2010.

El poner atención a las cosas pequeñas de la vida será la clave para poder recuperar nuestra identidad, pues agradeceremos el estar vivos y aprovecharemos al máximo el tiempo que viviremos.
No es común que confiemos en nuestra creatividad y mientras más lo hacemos, surgen dudas más fuertes acerca de ella.
Pienso que nada viene más fuerte de lo que podemos soportar: aun así siempre tendemos a auto agredirnos y tomar como verdades, suposiciones hirientes que no tienen fundamento.
Estas suposiciones nos dañan y también cierran nuestra capacidad abrirnos a cosas nuevas.
Debemos cuidar a nuestro niño artista si queremos curar nuestro ser creativo totalmente.
Evitar pensar que nuestra recuperación es imposible ayuda a fortalecer nuestra confianza; convencerse que no es tan importante dedicar un tiempo en las mañanas para escribir en el diario de los sueños, ayuda a no retener nuestras ideas y no reflexionar sobre ellas; pensar que nunca llegaremos a desbloquearnos por completo, solo agranda nuestras dudas.
Todas estas situaciones mencionadas tienen algo en común: son cómodas, mucho más cómodas que enfrentar, nuestros bloqueos y superarlos.
Debemos tener también en cuenta, que las personas que nos rodean influyen queramos o no en nosotros y depende mucho de ellas si el camino a nuestra recuperación se torna más fácil o difícil. Más bien, depende del que decida recibir toda esa influencia o influir positivamente en esas personas bloqueadas.
Podemos rodearnos de compañeros que traten de envenenar nuestras ideas o compañía lunática que no tenga la mínima prudencia de respetar nuestro tiempo, dinero y realidad; pero está en nosotros alejarnos o atarnos.
Otro obstáculo para nuestra recuperación es la duda que tenemos al ver nuestros cambios. Esta hace que retrocedamos ante ellos y nos cerremos ante los que vienen.
La recuperación de nuestra creatividad necesita de una apertura de mente.
Poner atención a las cosas comunes y disfrutarlas hace que la curación sea menos dolorosa, o que observes el dolor como una experiencia, una oportunidad.
La atención ayuda a concentrarte en el objetivo, ver desde otros ángulos las cosas e identificar los rasgos que has perdido o escondido y así llegar a un encuentro con tu identidad.

Bibliografía.
Cap. 2 “El camino del artista”. Julia Cameron, Argentina
Recupera la identidad.

Algunos consejos para disfrutar el Arte

Por Miriam Pérez

El psicoanalizar una obra de arte es muy similar a leerla semióticamente, se trata de ir más allá de lo evidente y de la imagen misma.
Esto suena raro y pretencioso, sin embargo proporciona una lectura y una comprensión del arte mucho más enriquecedor y completo. Lo más sencillo sería ver una imagen y juzgarla a primera vista, pero de esta forma no obtendríamos mucho y francamente aprovecharíamos y disfrutaríamos aún menos.
Se podría decir que al plantarse frente una obra de arte debemos de ser observadores y no críticos, se trata de ver detenidamente, leer los elementos y su disposición en el plano (o forma en el caso de la escultura), no sólo decir “me gusta”, “no me gusta” o peor aún, juzgar a primera instancia la “dificultad” de su creación con comentarios como “eso lo haría mi sobrinito”. Quizás al verlo de una forma un poco más desprendida, el observador encuentre en la obra una experiencia muy diferente.
El psicoanálisis nos brinda herramientas para conocer no solo a la obra, sino también a su creador y por lo mismo, el contexto y el mensaje real de la obra. Nos puede llevar a descubrir, incluso, cosas que desconocíamos de nosotros mismos. Si bien el arte es un recurso humano para la expresión, ¿por qué no tomarnos un momento concienzudo para escucharlo?
“El arte es una mentira que nos hace ver la verdad”. Picasso

Recupera la Seguridad

Recuperando la seguridad para poder crear.

Por Pris.

29 de enero de 2010.

Con este ensayo quiero argumentar que para llegar a crear necesitas tener muy claro cuales son tus necesidades, tu realidad, conocer tu propia identidad y sobre todo aprender a recuperar la seguridad y confianza que has perdido.

Al nacer, el apoyo de la familia es primordial para el desarrollo de nuestras capacidades y habilidades; al crecer, otras personas se van involucrando en nuestra vida e influyen en nuestro proceso creativo.

Como seres creativos, necesitamos ser estimulados para despertar nuestras inquietudes artísticas. Necesitamos un sólido apoyo.

Esto pocas veces sucede, pues en lugar de ser estimulados somos desanimados o criticados inoportunamente y eso afecta negativamente o apaga el espíritu creador que está en nosotros.

Cuando una persona decide ser artista una serie de obstáculos se anteponen en su camino. Obstáculo por parte de su familia, pero también de la cultura, sociedad y creencias.

No se permite que fracases e intentes cosas nuevas y luches por lo que quieres. La mayoría de las personas anhelan para sus familiares perciban un sueldo estable, con trabajo estable, y todo estable; difícilmente se enfrentan a nuevos retos por temor a fracasar. No arriesgan su tiempo y vida en hacer algo que realmente les gusta sino en lo que es “seguro”. Esto no nos debe contagiar.

Por esas razones muchas personas acaban estando frustradas con su profesión y su vida, pasa a ser más que simple.

Casi siempre el ser artista se relaciona con la inestabilidad económica, personas con una vida desorganizada, escandalosa y que terminan suicidándose; hay tantos prejuicios que hacen que hasta la persona mas decidida a consagrar su vida al arte dude que es realmente lo que quiere.

Pero a pesar de todas esas influencias negativas, críticos malvados, o personas hirientes, nuestra seguridad no debe ser afectada en lo más mínimo.

Es difícil sentirse seguro en estas circunstancias pues reaccionamos con autodefensa o aislamiento, desanimo o frustración y eso dificulta el poder expresarnos con libertad.

Debemos tener en mente que es posible cometer errores, pero también es posible festejar nuestros logros y estar satisfechos de nuestro trabajo sin esperar que alguien lo exprese.

La única manera de romper esas barreras que nos bloquean la libre creación es estar convencidos en lo que hacemos, tener confianza de lo que creemos, dedicación y trabajo; a cada momento ayudarnos con buenos pensamientos y eso se convertirá en un hábito y el hábito en un estilo de vida y el estilo de vida en nuestro futuro.

Bibliografía.

Cap. 1 “El camino del artista”. Julia Cameron, Argentina

Recupera la seguridad.